Rosa Barba trabaja siempre con celuloide, pero no lo hace plegada a las tendencias retro o ‘vintage’ actuales. Su acercamiento al material fílmico dista de ser nostálgico: es más bien práctico, necesario para sus fines experimentales, el soporte idóneo para darles forma a sus inquietudes artísticas y filosóficas. Por eso, cuando se lo proponemos, no acepta tomarse fotos posando con las cintas de 35 mm y 16 mm que utiliza para su instalación. “Es fetichista”, dice. La artista italiana ha llegado a Lima para presentar la muestra “Evocando un espacio más allá del cine”, organizada por el MALI y Proyecto AMIL, bajo la curaduría de José-Carlos Mariátegui.
The Museo de Arte de Lima—MALI and proyectoamil are pleased to present Evoking a Space Beyond Cinema, the first monographic museum exhibition by Rosa Barba in Peru. The exhibition features Aggregate States of Matters (2019), a film shot in the Peruvian Andes with the support of proyectoamil, in addition to a selection of her recent work.
In 2002, Rosa Barba had one of her first exhibitions at the Sala Luis Miro-Quesada Garland in Miraflores (Lima) which started her enduring connection with Peru. During that visit Barba travelled extensively throughout the country, and in 2018 she visited the country again to study and film the communities and territories affected by the melting glaciers of the Andes. Her aerial filming of the Peruvian mountains and deserts acts as a way to read the landscape creating a tapestry that tells a story outside the constraints of linear progression.
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Colectivo Amasijo estuvo invitado por segunda vez para desarrollar la experiencia culinaria en Suiza, la cual fue destacada por el diario Engadiner Post. Este colectivo lo integra un grupo de mujeres de distintas partes de lo que hoy llamamos México, (Veracruz, Oaxaca, Estado de México y la Ciudad de México) unidas en el deseo de reflexionar activamente sobre el origen y la diversidad de nuestros alimentos. El colectivo nació en el 2019 y desde entonces ha servido como plataforma para voces no dominantes, narrativas de mujeres cercanas a la tierra, historias que nos cuentan el costo real del cambio climático que nos muestras el camino hacia la regeneración de la tierra. Cocinan de manera colectiva para compartir, aprender, cuidar, conservar y celebrar la (bio) diversidad de la comida. Los proyectos estan encaminados en hacer visible la interdependencia entre lenguaje, cultura y territorio. Los proyectos de investigación que realizan tienen distintas salidas como encuentros, cenas, acciones, talleres o ceremonias. El colectivo crea las estructuras necesarias para establecer una comunidad en la que cuidarse entre ellas y cuidar el territorio a través de la alimentación, es la prioridad. Desde 2022 tienen una cocina en el centro de la ciudad de México donde cocinan con los insumos que producen la red de mujeres de las distintas comunidades con quienes trabajan. Alimentos que provienen de patios, milpas y recolección de tierras comunales y que son transformados en la cocina y compartidas en una mesa comunal de diez personas.
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Rodrigo Cabrera, creative director of Bondage Factory, presents the new collection entitled “Skin Couture”! The collection pays homage to the skin, presenting pieces that stand out for their textures, cuts and even accessories with the shapes of the human body.
Bondage Factory established in 2020 in Lima Peru, is a genderless fashion movement in which, through its creations, it seeks to promote a diverse, free and non-judgmental society. At the core of the brand, textures, silhouettes and materials manage to fuse urban energy with sensuality to create looks that transcend versatility.
This new edition is committed to contributing to the vulnerable trans community in Peru, providing 20% of the sales of the pieces that were made together with the Costa Rican graphic designer ABZYNT, who joined this collaboration to contribute to said community.
In addition, this collection promotes the inclusion of gender, ethnicity and bodies, since it was one of the most important characteristics to take into account during the casting of models. In this collection, we have the collaboration of the artists Zoe g. Serrano, Alejandra Faustino and Stev with whom they have made pieces made of latex, leather fabrics and metal accessories.
The event took place on April 23, 2022, in the main hall of the PROYECTO AMIL Art Gallery.
Designed & directed by @therocam
Photography by @lalorandom @leondtch
Styling by @coraimavaldezr
Heavy Sunglasses by @yosoystev
Make up by @yosoystev
Hair by @blushhairmakeup
Creative Director by @therocam
Casting Director by @therocam
Runway Director @robertotoya
Fashion Producer by @jonjoncarde
Music Design by @therocam
Music Coordinator by @localmenaze
Production team by @lisselisantos @noelia_cabrera @ma______ya @pirom4n4 @pool.caballero @michasurcah @pedrotda92 @la_carniceria_ @proyectoamil
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‘La Carnicería’ vuelve a Proyectoamil, con una importante oferta de arte contemporáneo, que incluye desfile de moda, música, comida y mucho más. Va del 21 al 23 de abril.
En su sexta edición, la feria de arte independiente «La Carnicería» vuelve a proyectoamil (sótano del centro comercial Camino Real) de manera presencial, del 21 al 23 de abril. Para esta edición han convocado a trece galerías, espacios independientes y colectivos que contarán con sus propios espacios de exhibición de arte contemporáneo.
También estará el «Salón de la Carne»,con una selección de artistas jóvenes, curada por los organizadores y que será presentada en las salas principales de proyectoamil.
En su totalidad, se reunirán a más de sesenta artistas nacionales e internacionales, con propuestas que desafían los formatos tradicionales y que, en muchos casos, no cuentan con representación comercial.
Bajo la organización de los artistas María Abaddon y Rodrigo Gómez Olivos, esta edición de la feria ha sido concebida como un festival de arte total, acogiendo obras de arte en diversos formatos, videos, instalaciones, performances, feria de fanzines, música y un desfile de modas, con la colección «Skin Couture», de Bondage Factory. Un escenario tanto para la experimentación artística como para la construcción de comunidad.
«La Carnicería» regresa a la presencialidad
En el 2022 y después de una obligada edición virtual, «La Carnicería» se consolida como una de las plataformas más importantes para la escena del arte alternativo en Lima. Al mismo tiempo, la feria reafirma su apuesta por generar un ecosistema artístico sostenible, promoviendo el trabajo de jóvenes creadores y permitiéndole al público comprar arte a precios accesibles.
La cita es en la avenida Camino Real 348 (sótano del centro comercial Camino Real).
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XIMENA GARRIDO-LECCA (PROYECTO AMIL, LIMA, PERU; CURATED BY FLORENCIA PORTO-CARRERO AND JOEL YOSS)
Living specimens of the coca plant thrived in Garrido-Lecca’s installation Botanical Readings: Erythroxylum coca, 2019, reminding us that the proscribed leaf may have multiple functions and meanings, articulating transversal dialogues between Peruvian vernacular culture and modern science. It is “a project that cannot travel anywhere” (as the artist put it): Since the plant is illegal across most of the globe, it can only be shown in the nation where it is produced—confined as if its mere existence were a crime.
por Claire Jaureguy
En Perú, sabemos que la hoja de coca es irreductible al narcotráco; sin embargo, sus usos tradicionales se mantienen en una dimensión cultural más cercana a la informalidad cuando la especie vegetal logra vencer la demonización atribuida desde distintos poderes por casi cinco siglos. Resiste en espacios heterogéneos muy delimitados, como las prácticas rituales de la zona andina, donde se le atribuyen una serie de facultades sobrenaturales desde tiempos precolombinos.
Antes de comentar la exposición Lecturas Botánicas: Erythroxylum coca de la artista Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980) en Proyecto AMIL (Lima), me permito una digresión sobre algunos de los contextos controversiales más recientes en los que se ha visto el uso de la hoja de coca. El jugador Paolo Guerrero, el capitán de la selección nacional peruana, dio positivo en las pruebas antidoping, en el 2017, en el marco de las Eliminatorias a la Copa Mundial de Fútbol Rusia 2018, lo cual supuso su ausencia como castigo: nos quedábamos sin nuestro goleador a punto de poder cumplir la hazaña tras treinta años de intentos fallidos. Esa historia está llena de detalles que a la sazón no son relevantes, más que para preguntarnos si la defensa que cientos de hinchas hicieron, incluso en manifestaciones en espacios públicos, incluía la defensa de determinados usos culturales de la planta. Y se vuelve aún más interesante cuando uno de los argumentos usados por los abogados del futbolista, con apoyo cientíco, se apoya en evidencias forenses basadas en estudios realizados a tres momias incas. Cientos de años después, sus cuerpos contenían benzoilecgonina, la misma sustancia detectada en la orina del capitán peruano. Una historia de la vida cotidiana de los peruanos en el siglo XXI que muestra la complejidad de nuestras problemáticas culturales, sociales y económicas, de las que el fútbol pone en evidencia.
Muy lejos de las canchas -palabra quechua que utilizamos en los países andinos para los campos de juego-, las alternancias entre los usos, consumos y signicados de la hoja de coca son algunos de los temas que aborda la exposición Lecturas Botánicas. La artista pone en el centro de nuestra atención a la planta nativa: suprimidos sus contextos conictivos, la circunscribe en un proceso esquematizado en donde no solo logra cultivarla y asegurar su desarrollo, sino que nos acerca a aspectos culturales de carácter sagrado que, aún hoy, mantiene la coca.
Enrique Planas
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Tan fácil como salir a caminar. Art Lima Gallery Weekend es una iniciativa que nos invita, del 16 al 18 de noviembre, a recorrer cuatro circuitos que vinculan grandes instituciones, galerías de arte y proyectos autogestionados, para descubrir la vibrante escena contemporánea local.
La mañana de ayer, en el Novotel de San Isidro, los organizadores de esta plataforma ofrecieron a la prensa los detalles de la iniciativa. Rochi del Castillo, su directora, precisó que el Gallery Weekend es una iniciativa organizada desde la feria Art Lima para promover el acercamiento del público al arte ofrecido principalmente por las galerías.
Durante ese fin de semana, estos circuitos peatonales crearán una red entre los tradicionales espacios de exhibición del arte y otros habilitados especialmente para esta ocasión. Con ello se busca crear y formar un mayor público para el arte contemporáneo, así como consolidar a las galerías como piezas claves del engranaje de nuestra industria cultural.
—La ciudad como galería—
En Lima, San Isidro, Miraflores y Barranco se podrá apreciar libremente 43 exposiciones (14 de ellas dispuestas solo para ese fin de semana), con una programación que incluirá visitas guiadas, conferencias y actividades especiales. La actividad coincide con muestras tan importantes como “Universo libre”, exposición de la icónica artista conceptual Yoko Ono organizada por el Proyecto AMIL y el MALI, así como la muestra de fotografía de Daido Moriyama en el MATE, o de los artistas locales Ciro Palacios (La Galería), Mariu Palacios (Ginsberg) o Nelly García (Cecilia González). Esta primera edición de Art Lima Gallery Weekend cuenta con el respaldo del Gallery Weekend Org, grupo que vincula circuitos de arte afines en 18 ciudades del mundo, desde París y Barcelona hasta Ciudad de México, Bogotá o Buenos Aires.
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por Clair Jaureguy
En una de las exposiciones más interesantes del 2018, Proyecto Amil presenta la obra reciente del artista peruano radicado en Inglaterra. Descripciones minuciosas e intensas de representaciones vegetales y minerales en contraste con las humanas a través de pinceladas densas que nos acercan a lo desapercibido.
Entre risas empezó la conversación que tuve con el artista Esteban Igartua (Lima,1974). Le explicaba el enfoque que tendría la nota: Se trata de crear un espacio de mediación cultural que nos acerque a entender mejor la producción artística contemporánea porque mucha gente no se siente cómoda frente al arte contemporáneo. Perfecto, me responde, yo me siento muchas veces igual que ellos.
SIEMPRE UN EXTRAÑO
Cuando era alumno de la Facultad de Artes de la PUCP, Esteban sobresalía por su destreza técnica y los temas o situaciones que combinaban dosis intensas de calma y tensión en sus obras. Hace más de veinte años, y sin celulares en mano de por medio, recuerdo haber visto un autorretrato donde él estaba sentado en el borde de una cama en una habitación vacía dominada por el color blanco. Aunque no guardo muchos más detalles de la pintura y él no recuerda dónde podría estar, la escena era tan inquietante como S/T de 1997, otra de las pinturas de esa primera etapa del artista. Otro autorretrato en el que él herido es arrastrado sobre el piso donde quedan grotescas manchas de sangre mientras otro hombre corre a su lado dirigiéndose a un espacio aparentemente más iluminado. Al terminar la universidad, en 1997, su obra fue reconocida como la mejor por el jurado. Se fue de Lima a Bristol con obra figurativa interesante y prometedora y ha regresado a su ciudad natal para exponer generando mucha expectativa, entre ellas, en el 2012 en la galería Revólver y en el 2015 en Garúa. Coliflor, la exposición que exhibe en Proyecto Amil, reúne 29 obras realizadas en los últimos años, (1 del 2008, 3 del 2009, 3 del 2015, 6 del 2016, 4 del 2017 y 11 del 2018) entre pinturas y dibujos de pequeño y mediano formato, que toman las dos salas principales con una propuesta curatorial acertada bajo la supervisión de Joel Yoss, director de la galería. La disposición de las piezas sugiere una narrativa y relacionamiento entre las piezas que funciona. Acierta porque integra sutilmente un antiguo interés del artista por los cómics y las posibilidades de combinar escenas, formatos de viñetas incluso, con esa propuesta museográfica logra ser tan irónico y reta a las piezas en un diálogo que en realidad es en vano y no por eso de menos valor. La exposición ha creado un ecosistema en el que parecen convivir en armonía lo que de manera recurrente se ha llamado paisajes y retratos y se establecen posibilidades de diálogo entre ellos.
La primera exposición de Yoko Ono en Lima tendrá como eje principal la lucha contra la violencia de género. Con tu testimonio, puedes formar parte de ella.
Entre enero de 2009 y agosto de 2018, el Centro de Emergencia Mujer (CEM) contabilizó 1,083 víctimas de feminicidio en el Perú. En promedio, cada mes hay 11 víctimas de feminicidio en nuestro país. En un 73% de los casos, el agresor es o ha sido pareja de la víctima y las situaciones de violencia de género ocurren dentro del espacio íntimo del hogar.
En su primera exposición retrospectiva en de nuestro país, la artista japonesa Yoko Ono hace un llamado a las mujeres peruanas que han sido víctimas de la violencia de género. Ella las invita a compartir su testimonio y las insta a ser fuertes: “Ten coraje, ten rabia, estamos todas juntas” señala.
La exposición, que lleva el nombre de ‘Resurgiendo’, se llevará a cabo gracias al Proyecto AMIL, en colaboración con el Museo de Arte de Lima. Las convocatorias para participar ya se encuentran abiertas. Si quieres alzar tu voz en contra de la violencia de género compartiendo tu testimonio, puedes hacerlo hasta el 16 de febrero de 2019. Únete con los siguientes pasos:
1. Ingresa a la web http://proyectoamil.org/#/arising
2. Escribe tu testimonio (máx. 1500 caracteres)
3. Adjunta una fotografía de tus ojos (busca una de buena resolución)
‘Resurgiendo’ de Yoko Ono, recopilará todos los testimonios en una instalación de gran formato que estará expuesta al público en el vestíbulo del MALI, entre el 18 de noviembre de 2018 y el 16 de febrero de 2019. Súmate.
La artista japonesa, viuda de John Lennon, tendrá una muestra retrospectiva, donde se tocará el tema de la violencia de género.
Pionera del arte conceptual, Yoko Ono, la musa de John Lennon, tendrá su primera retrospectiva en el Perú. La artista japonesa, junto a Proyecto AMIL y el Museo de Arte de Lima (MALI), preparan una exposición que incluirá objetos, videos, películas, instalaciones y registros sonoros producidos desde principios de los 60 hasta el día de hoy.
El interés de la artista por presentar sus obras en Lima nació hace algunos meses, cuando el director artístico del Proyecto AMIL, Joel Yoss, se contactó con los curadores de Yoko Ono para montar la retrospectiva.
Las piezas ya fueron presentadas antes en el MALBA (Argentina), CorpArtes (Chile) y el Centro Cultural Metropolitano (Ecuador), pero en todos estos espacios, la artista convocó al público a contar sus testimonios de violencia que forman parte de la muestra.
Además, aunque no se ha confirmado aún la asistencia de Yoko Ono en nuestro país, los organizadores señalaron a El Comercio que la muestra incluirá una pieza llamada «Escultura parlante para el Perú», que no es más que un teléfono que estará conectado con otro de la artista, y durante la temporada, la misma artista llamará para conversar con los visitantes.
Por Alfredo Villar
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Los años 90 fueron de euforias y desengaños; del extremismo senderista y la hiperinflación se pasó a un delirio neoliberal que se instalaba como una nueva razón de ser nacional: todo se podía vender y comprar. Desde el Estado, este dogma se convirtió en el pretexto perfecto para corrupciones y represiones. El eterno mal republicano retornaba con las peores prácticas delincuenciales y violaciones a los derechos humanos siniestramente planeadas y elaboradas desde el poder. En medio de ese caos moral y político, empezaron a surgir nuevos discursos que cambiarían las artes plásticas peruanas, y, entre estos, encontramos el de Elena Tejada-Herrera, una artista cuyas explosivas perfomances a finales de la dictadura fujimorista fueron el mejor ejemplo de que a veces lo más iluminador y provocador también puede nacer en los momentos más oscuros y dolorosos.
La primera acción de Elena es legendaria, pues marca un antes y un después en el arte de la perfomance en el Perú. Señorita de buena presencia buscando empleo fue realizada en 1997 como una irrupción en el marco de la I Bienal Iberoamericana de Lima. Tejada-Herrera había asistido como “espectadora” a una mesa redonda de críticos y curadores internacionales de la Bienal en el MALI. Cuando la mesa dio paso a la ronda de preguntas, la artista se quitó el traje que la cubría y se mostró completamente envuelta con las páginas de los avisos clasificados de varios periódicos. Su extraño ropaje dejaba libre la zona del pubis y las nalgas, y con este provocador atavío se acercó a la mesa de los panelistas repartiendo volantes y pidiendo dinero con una bolsa verde en la que había pintado el signo del dólar.
Después de haber repartido los volantes y agitado su bolsa de mendiga desocupada sin casi respuesta (solo el primer panelista con una sonrisa cómplice le entregaría un billete), se puso a marcar con resaltador amarillo los anuncios sobre su cuerpo mientras anunciaba en voz alta: “¡Ellos traen dólares!”. La reacción general fue de desconcierto, tanto del público como de los conferencistas. En el momento en que la policía de seguridad la sujetó para retirarla, ella se puso a miccionar como una manera de protesta y resistencia al apresamiento. Con pocos pero efectivos gestos, la artista pudo intervenir un espacio, causar un shock emocional en un desconcertado público y a la vez cuestionar toda la institución del arte, la discriminación femenina y la precariedad del empleo en el Perú.
by Dorothée Dupuis
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After being in São Paulo the week before for SP-Arte, I travelled to Lima, transitioning—as I’ve been joking with dark humor since the beginning of the week—between two countries that currently don’t have presidents. Both in Brazil and Peru, this doesn’t seem to be a problem. The countries continue to operate without a leader, like chickens without heads. This tepidity is also found in the art world as cynically noted by Vik Muniz last week in Artnet News: “If you have money to buy art, maybe you are simply immune to many of these fluctuations.” After the Brazilian context, it is interesting to note the effects of similar phenomena on a different economy and artistic environment such as Peru. The Lima fairs opened few days after SP-Arte. I say “the fairs” because in Lima there are two at the same time: on the one hand, PArC, produced with the support of PROMPERÚ and directed by Diego Costa Peuser also owner of the specialized magazine Arte al día as well as the fairs Lima and Buenos Aires Photo and Pinta London, New York and Miami; on the other hand, Art Lima, which is managed by the group El Comercio (owners of the Peruvian newspaper with the same name).
If this situation exists in other parts of the Americas in larger markets, such as Mexico with Zona Maco and Material, it is delicate in Peru where the two fairs have more or less the same position, attracting medium-sized galleries that could often be neighbors in other fairs of the world. It is a bit sad to say that a kind of latent animosity between groups is felt in the city, especially by the more experienced people. The youngest are the most mature, keeping silence at the right moment and trying to take advantage of this fauna of international visitors that Peru seems to lack a lot outside of that art week.
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La exposición individual Horror Vacui, del artista peruano David Zink Yi, se inaugura mañana 5 de abril, a las 7 p.m., en el Centro Comercial Camino Real de San Isidro.
Filmado en La Habana entre el 2005 y el 2006, Horror Vacui representa el resultado de una investigación que atraviesa la práctica de Zink Yi en torno a la gramática y la polirritmia de la tradición musical afrocubana; así como el momento decisivo de la colaboración entre el artista y De adentro y afuera, banda latina que el mismo co-fundó en Cuba.
Con una duración de dos horas y diecisiete minutos y en dos canales, Horror Vacui documenta los ensayos de la banda de Zink Yi, combinándolos con imágenes de rituales religiosos muy arraigados en la cultura cubana -como el batá y el wiro de la religión sincrética de los yoruba (también conocida como santería) y el cajón del palo monte – que aunque de origen africano están a la base de una amplia gama de tradiciones religiosas caribeñas.
La pieza fue inicialmente presentada el Kunsthalle St. Gallen (San galo, Suiza, 2009) para luego recorrer importantes instituciones del arte contemporáneo alrededor del mundo, tales como: Midway Contemporary Art (Minneapolis, EE.UU, 2011), Neuer Berliner Kunstverein- n.b.k (Berlín, Alemania, 2012), ArtUnlimited (Basilea, Suiza, 2013) y Prospect3 (Nueva Orleans, EE.UU., 2014).
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La plataforma móvil de arte contemporáneo, Proyecto AMIL, inicia el 2018 con su primera colaboración internacional: desde Turquía, el colectivo Protocinema invade Lima con una serie de presentaciones artísticas que se realizarán del 18 al 31 de enero en el Centro Comercial Camino Real.
Desde su fundación en el 2015, Proyecto AMIL tiene muy en claro que su intención es ser un espacio no comercial de arte contemporáneo y funcionar como un puente entre la escena local e internacional.
Creada por Juan Carlos Verme, presidente del Patronato del Museo de Arte de Lima (MALI), y el curador Joel Yoss, la plataforma móvil busca generar un diálogo lejos del circuito ‘mainstream’ a través de talleres, proyecciones, performances, publicaciones, y muchísima colaboración. Justamente, una de las últimas colaboraciones del espacio es con el colectivo Protocinema, que llegará desde Turquía para un evento sin precedentes.
Arte itinerante
“Para mí y para Protocinema, los proyectos y las ideas de trabajo siempre surgen de las relaciones”, dice Mari Spirito, fundadora de Protocinema. La curadora conoció a Juan Carlos y a Joel a través de la comunidad artística y fue durante una conversación en Estambul que decidieron colaborar juntos. “Ambos vieron una exposición de Trevor Paglen para Protocinema y las conversaciones de hacer algo en Lima iniciaron”, cuenta Mari.
Así, llegaron al acuerdo de traer a Lima al artista turco Hasan Özgür Top, quien expondrá su nuevo trabajo -sobre los efectos del nacionalismo y la compleja relación que existe con el capitalismo- en Proyecto AMIL, comisionado por Protocinema y SAHA (Estambul).
La exposición de Hasan Özgür Top formará parte del catálogo de propuestas artísticas que se presentarán del 18 al 31 de enero en el espacio físico de Protocinema en el Centro Comercial Camino Real.
A la par del trabajo del artista turco, que inaugurará su exposición The Atelier (2018) en Lima, Mari Spirito presentará una selección de videos curados por ella misma y el portafolio del artista emergente Ghaith Mofeed (Siria), quien también visitará la ciudad para ofrecer una charla.
Sobre Protocinema
Al igual que Proyecto AMIL, Protocinema (Turquía, 2011) es un colectivo abierto al diálogo y a la difusión de artistas emergentes. A pesar de la distancia geográfica, ambas instituciones funcionan como espacios en los que sus audiencias pueden encontrar contenidos críticos que no encontrarían en otro lugar. La plataforma opera conectando artistas, curadores y escritores a través de programas educativos en Estambul, Nueva York y otras ciudades.
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As a modern society, we’re moving little by little yet ever-more rapidly toward an unavoidable crisis stemming from a semio-capitalist system that alienates us all. According to Franco Bifo Berardi [1], semio-capitalism is an articulation of overproduction through psycho-cognitive stimuli that saturate all the media through which we relate to one another and our environment. These stimuli mediate and limit contact between bodies as well as interaction among people. The anxiety that stimulus-saturation brings on is a constant sensation all of us in the modern city and its infrastructures share. In that context, the exhibition entitled Escultura impermanente(Impermanent Sculpture), by Rita Ponce de León and staged at Proyecto AMIL in Lima, presents itself as a space for exploring the de-territorialization of the body in light of the need for a renewal and consensus that is unattached to semio-capitalism.
The show’s title alludes to the body’s continuous transformation and the incessant adaptability to which it is subject in an environment of immediacy and under pressure from modern structures. It also frames the show’s central elements: body and space, understanding sculpture as the evocation of a line that, through movement, can create a three-dimensional relationship between artworks and audiences that activates body-related reflections, both physical and virtual.
At the entry to the exhibition space, the work on paper entitled SÍ-NO, el camino a casa está lleno de caminos a casa (2017) hangs from the ceiling as it receives visitors. This subtle welcome, an abstraction of words for “yes” and “no,” announces that the space spectators will soon enter was designed to remind us that home transcends materiality and is part of life’s journey. The simple piece manages to define the exhibition’s pace vis-à-vis the pause that underlies deciding yes or no. Here anxiety becomes a personal, introspective breather.
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I’ve often found myself wondering whether it would really be such a radical gesture to show a majority of work by women without bracketing it as women’s work. What would it be like to experience a city filled with exhibitions that weren’t reinforcing the patriarchal tendencies of the art world?
In Lima this possibility came true.
It’s unclear if these exhibitions were coordinated to coincide with the #NiUnaMenos (NotOneLess) demonstration that drew more than 200,000 people to march on Lima to protest violence against women on August 13. Despite being an international movement, Ni Una Menos’s “cry against impunity” seems to have struck a particularly resonant chord in Peru where, according to Ana María Romero-Lozada, the country’s Minister for Women and Vulnerable Persons, ten women are murdered every month and twenty more are victims of attempted femicide, amounting to “about one [attack] per day.”(1)
For a city of ten million people, Lima’s art scene is small, with few progressive contemporary art galleries. As often happens elsewhere, Lima’s most experimental exhibition programs are found either in alternative spaces or galleries that started as alternative spaces, and curiously all of them were showing solo exhibitions by women.
“Body Moves,” at Garúa, is named after Pamela Arce’s 2016 piece. The work consists of two spindly rebar poles fixed with tiny robots that are powered by wires spliced into the gallery’s fluorescent lights, which Arce programmed to move in random directions at irregular intervals. As the robots spin, they swing small, flat, ceramic rectangles, like mini BattleBots haphazardly fencing with tagliatelle noodles that shatter on contact.
BY KIM CÓRDOVA
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In a city where food is top of the cultural pile, several small alternative spaces are leading the emergence of a vibrant contemporary art scene.
As soon as we had landed in Lima, the city was abuzz with talk about the fair. There were arguments over which was this year’s best stand; complaints about crowds and entrance fees; and scandal sparked by a critic’s declaration, in El País, that the whole affaire was ‘over’.
This was not an art fair but Mistura, the largest culinary festival in Latin America which annually attracts nearly 400,000 visitors to sample regional and haute Andean cuisine. In general, Peru is deeply divided by class, race and other legacies of colonialism, but the kitchen is a space where these differences can be bridged. The fusion that characterizes Peruvian food is a source of national pride.
Artists are usually the chief purveyors of radical idealism, but in Peruvian popular culture, chefs occupy that role. The worldwide escalating trendiness of foodie culture, growth of gastro-diplomacy and increasing importance of food politics in the face of climate change has all helped to contribute to their status. Writer Adam Gopnik’s assertion that, ‘mouth taste inevitably becomes moral taste,’ holds true in an overtly political sense: Peruvian chefs also enjoy an unparalleled degree of political clout. The most notable of these figures is celebrity chef Gastón Acurio, the founder of Mistura whom many believe to harbour presidential ambitions.
The sociopolitical prominence of Peruvian cuisine is emblematic of a nation on the rise after years of economic isolationism, terrorism and political instability. The war which lasted from 1980 to 2000, claimed 70,000 lives. During these years Limeños lived under military curfew and in constant fear of bombings, making public outings to restaurants (among other places) a risky venture. All this was compounded by the Latin American debt crisis and a disastrous populist economic policy, both of which threw the nation’s finances into a tailspin, with inflation peaking at 2,200,200% and driving per capita annual income down to just USD$720 in 1990. In this climate dining out became a rare expenditure reserved for the most special occasions.
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Desde los inicios de su práctica artística a finales de los años noventa, Elena Tejada-Herrera inauguró un área de indagación y acción hasta el momento poco explorada a lo largo de la incipiente historia de la performance peruana: la reivindicación de la persona/cuerpo del artista en su especificidad u otredad sexual, racial y social, como vehículo para intervenir críticamente el espacio público. Ya sea en la incesante exploración del deseo femenino, o en su denuncia de los actos de violencia estatal y critica a la representación de la mujer en los medios de comunicación en el Perú, o incluso en la posterior reafirmación de su condición de artista-inmigrante en los Estados Unidos, en el trabajo de Elena Tejada-Herrera el cuerpo emerge siempre como un territorio de agencia y contestación política.
En efecto, las performances de Elena Tejada-Herrera constituyen una intervención política en un doble sentido: como ciudadana, en la medida que presentaron una corporalidad femenina que desa!ó los límites de la censura impuestos por el Estado; y como artista, al enfrentar el canon modernista-patriarcal a través del cuestionamiento del “buen gusto” y los formatos de exhibición legitimados.
Operando al margen de las estructuras del sistema artístico y con un sentido del humor subversivo, la práctica performativa de la artista desnaturaliza categorías identitarias -como el género, la etnicidad, la nacionalidad, entre otras- que normalizan nuestros cuerpos, invitándonos a imaginar formas de convivir que transgreden las normas del buen gusto y los estilos normativos de vida. Se trata, sin duda, de un trabajo que se distancia del formalismo modernista y sus criterios de calidad de la obra, para inscribirse en una tradición feminista que busca visibilizar preocupaciones sociales y sensibilidades estéticas previamente excluidas del campo del arte.
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Por Bárbara Bettocchi.
“A forgoten corner of a forgoten place in Lima. The idea was to full this space, an empty space, with color, and light and art”.
Joel Yoss, co-director de Proyecto AMIL
Proyecto AMIL, cuyo nombre alude al reverso de la palabra “Lima”, es una plataforma móvil de arte contemporáneo, ubicada casualmente en el sótano del famoso Centro Comercial Camino Real. Juan Carlos Verme y Joel Yoss, coleccionistas de arte y galeristas, lo han intervenido para instalar ahí, en esas tiendas que hasta hace poco estuvieron abandonadas y sumergidas en el moho y la oscuridad, a las que se accede bajando por unas angostas escaleras eléctricas en desuso, un conjunto de espacios de exhibición y residencias de artistas invitados. Asimismo, se trata de un espacio que alberga una propuesta muy interesante para la escena artística local.
Si bien es cierto que la sede de Proyecto AMIL es temporal, puesto que depende del destino que se produzca la remodelación y relanzamiento de Camino Real, es muy significativo e interesante que se haya ubicado justamente ahí, en lo que fue uno de los íconos comerciales de los años 80 y que más tarde sufrió los avatares de la decadencia económica, producto de la violencia social, para permanecer luego por años medio abandonado y pasado de moda, en el medio del corazón de una de las zonas más caras de la ciudad. Ahora, el subsuelo de este edificio ha vuelto a la vida, pero con una iniciativa que ha encontrado una manera distinta de habitarlo. No solo se exhibe arte, sino que es un espacio en el que se generan diferentes tipos de intercambio a través del programa de residencias y de la organización de eventos tanto públicos como conversatorios, actividades performativas, proyecciones de video, etc.
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“Una joven se subió en la mesa y comenzó a leer libros en distintos idiomas…”.
Estaba en el MALI una tarde de 1997, y de pronto escuché gritos y caos. Un evento académico, en el marco de la Bienal de Lima, se había convertido en una arma de doble filo. Una acción memorable que cuestionó la propia institucionalidad desde la institución.
Años después, asistí a la clausura de Terreno de Experiencia 1 (Sala Luis Miró Quesada Garland, 2001). Una joven se subió en la mesa y comenzó a leer libros en distintos idiomas, lamió sus páginas y se comió sus hojas. Mientras la mesa trastabilló, me dio una etiqueta que decía “My name is MANIPULADOR”.
Justamente, en la exposición Elena Tejada-Herrera. Videos de esta mujer: registros de performances 1997-2010 (Proyecto AMIL), la curadora Florencia Portocarrero propone una perspectiva histórica en 21 registros de acciones en el Perú y EE.UU.
En esta muestra, la curadora plantea el trabajo de Tejada-Herrera como una profunda inadaptación. Aquí, la performance es una herramienta feministamente radical.
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La egresada de la PUCP presenta su trayectoria artística en la instalación de videoarte “Elena Tejada-Herrera. Videos de esta mujer: registros deperformance 1997-2010”. Visita esta muestra en la galería del Proyecto AMILen el Centro Comercial Camino Real.
Elena Tejada-Herrera es una artista transdisciplinaria que trabaja conmedios híbridos, como la performance, la instalación, el video y la práctica social. Desde que Elena egresó de la Facultad de Arte y Diseño, ha desarrollado una ampliaproducción artística entre elPerú y los Estados Unidos. Así la exposición “Elena Tejada-Herrera. Videos de esta mu-jer: registros de performance1997-2010” reúne 21 registros de performances creadas durante más de una década. El título de la muestra hacereferencia al canal de YouTube de la artista, ‘videosdestamujer’, uno de los espacios virtuales de los que se ha valido para circular su obra entre un público más amplio; introduce así temas relacionados con las políticas de producción de subjetividad en el marco de las relaciones de género. Si bien la exposición brinda una perspectiva histórica del trabajo de Elena, se centra en su faceta quizás más reconocida: la performance. La expo va hasta el 1 de octubre en el Proyecto Amil en el sótano del Centro ComercialCamino Real (esquina de la ca-lle Víctor Andrés Belaunde con Av. Camino Real, San Isidro).
Para ello ha generado dos estructuras (diseñadas por Maya Ballén) que permiten una relación más cercana con la obra y facilitan ver un ciclo de casi 2 horas de duración.
Se busca así contrastar dos etapas de trabajo creativo, resaltando variantes en la producción (edición de video, uso de sonido); cambios de enfoque (del museo a la calle, orientación a lo participativo, recurso al público casual); constantes temáticas (uso del propio cuerpo, la noción de género, la mirada) y continuidades estratégicas (la apuesta por el espacio público, las interacciones con la audiencia).
Así, por ejemplo, la emblemática «Señorita de buena presencia buscando empleo» y «Fronteras» hablan de una relación tensa con el campo artístico, donde el cuerpo de la artista media con el contexto, sea este la lamentablemente desaparecida Bienal de Lima (la artista irrumpió durante los conservatorios envuelta en anuncios de empleo) o la exposición «Terreno de experiencia» (la artista lee, toca, olfatea y lame catálogos de exposiciones internacionales como si buscase asimilar sensorialmente la escena internacional).
En «La manera en que decenas de personas miran a una mujer desnuda», Tejada-Herrera se desviste y filma al público que la observa, devolviendo la mirada-cual voyeur de voyeristas-e invirtiendo la relación de poder mediante la cámara como dispositivo de empoderamiento.
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Proyecto AMIL presenta –Sírvete de mi, sírveme de ti– la primera exposición individual en Lima del artista colombiano radicado en París, Iván Argote. El trabajo de Argote gira en torno a los movimientos sociales radicales del siglo 20, prestándole especial atención a las fisuras y destellos que se producen en momentos de convulsión social.
Para su exposición en Proyecto AMIL, el artista se centra en los afectos como categorías de análisis crítico, desafiando la supuesta superioridad de la razón científica sobre lo emocional y lo subjetivo. Las seis piezas que componen la muestra, y que van desde lo épico hasta lo minucioso, exploran la interacción entre la presencia y la ausencia, motivo que reverbera en cada una de las obras. La autoridad del cuerpo y de la respuesta emocional se anuncian en este inquietante nuevo grupo de obras, reivindicando un conocimiento legítimo acerca del mundo.
Setting up a system es un pequeño collage que está basado en un método deconstructivo que cuestiona las relaciones entre imagen e ideología. Diversas fuentes materiales que circulan entre lo global y lo cotidiano -como libros especializados de fotografía, diagramas científicos, publicidad y periódicos locales- han sido modificados para crear diferentes capas en fricción que hacen visible e interrogan la autoridad de las imágenes y el texto escrito en la construcción de la memoria oficial.
En esa misma línea encontramos Among us, grandes piezas de cemento agujereadas suspendidas del techo que generan una arquitectura enigmática de presencias y ausencias en el espacio de exposición. Las esculturas parecen ser fragmentos, o incluso vestigios arqueológicos, de una estructura arquitectónica más grande. Su superficie revela extractos de frases relacionadas a la investigación de Argote en torno a la historia de las ideologías y la propaganda, y de su influencia en la producción de subjetividad.
«Open Studio» del artista sueco Martin Gustavsson, está a medio camino entre una exposición y un estudio abierto. La propuesta claramente innovadora en nuestro medio, se enmarca dentro de la residencia artística de Proyecto AMIL, que ha traído al artista al Perú.
La presentación busca mostrar el trabajo de Gustavsson en su contexto de producción (vemos una larga mesa con materiales artísticos) y, lo mas importante, dar la posibilidad de ser testigos del proceso creativo del artista. En ese sentido, si una residencia apuesta por que el trabajo de un artista se nutra del entorno local, Gustavsson ha decidido doblar la apuesta permitiendo que artistas, estudiantes y público en general puedan acercarse a su espacio de trabajo para dialogar con él sobre su obra (en inglés sueco, eso sí).
De ahí que muchas de sus imágenes referenciales estén desplegadas sobre la mesa de trabajo y colgadas en la pared, evidenciando sus intereses estéticos e iconográficos.
En su obra, Gustavsson plantea una reflexión contemporánea sobre la pintura. Sus cuadros bifrontes montados sobre estructuras rodantes retan a la idea del cuadro como objeto anclado a la pared, visibilizando su dorso y dándole movilidad. De un lado vemos escenas apocalípticas basadas en iconografía religiosa, pero la imagen está atravesada por chorreaduras que la desdibujan, rompiendo la ilusión de profundidad para llevarnos abruptamente a la superficie de la tela. Del otro lado, las imágenes, los materiales y las sensaciones son diferentes: telas vaporosas, figuras abstractas simples, colores luminosos, escarcha, ligereza.
ADIÓS/HOLA. En el centro comercial Camino Real de San Isidro se llevó a cabo un simpático coctel que marcó el cierre de la exposición «Tres mitades», de Armando Andrade Tudela, y la inauguración de «Intervenciones», nueve espacios del sótano del centro comercial en el que se exhiben las obras de artistas nacionales e internacionales.
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Visita la exposición del artista peruano egresado de la Facultad de Arte, Armando Andrade Tudela.
A pesar de que Armando AndradeTudela (egresado de Arte) vive y trabaja entre Francia y Alemania, su obra se presenta como un recorrido de ida y vuelta entre mundos culturales distintos, donde se constituye un encuentro entre marcos perceptuales, sensoriales e intelectuales, cuyas referencias terminan entretejiéndose. Su exposición Tres Mitades propone un intercambio entre nuestra ficción de Occidente(modernidad, racionalidad,ciencia) y nuestro fantasma deOriente (lo ancestral, lo ritual, lo mágico). La idea de una “zonafranca” entre ambos mundos emerge de la articulación de opuestos: lo estructurado y lo desordenado, lo firme y lo frágil,lo material y lo espiritual.
Lo sistemático y lo azaroso lo encontramos en una parte de la expo, Mitades XXL, donde una serie de grandes esculturas, tipo túnicas, hechas de retazos de telas impresas y cosidas entre sí. Una capa de tela tiene un patrón derivado de marcas de yeso, que dan lugar a diseños irregulares y erráticos. Otra capa revela un patrón tipográfico basado en imágenes de cuerpos distorsionados que, por elcontrario, funciona como una suerte de código. Esta extraña tipografía deletrea palabras amazónicas del libro de César Calvo,
Las Tres Mitades de Ino Moxo y otros Brujos de la Amazonía, que es una referencia clave para el artista. Visita la expo hasta el 12 de diciembre en el proyecto AMIL, que se encuentra en el sótano del C.C. Camino Real (esquina Víctor Andrés Belaunde con Av.Camino Real, San Isidro).
Juan Carlos Verme is an entrepreneur and investor, as well as an eminent private collector of contemporary art and an active participant in educational and cultural projects in Lima, Peru and across Latin America.
He has been Director of the Board of the Museo de Arte de Lima (MALI) since 2005. In addition to his presidency at MALI, Verme also participates in the museum’s Contemporary Art Acquisitions Committee and the Formando Colecciones (Building Collections) programme. Verme was Board Member, Treasurer and Vice President of the Asociación Cultural Filarmonía, a cultural initiative dedicated to promoting philharmonic classical music through radio.
Since working with Asociación Cultural Filarmonía, Verme has directed and hosted the radio programme ‘Mi Oído Izquierdo (My Left Ear)’. Verme also belongs to the Board of Tate Americas Foundation and is a member of the acquisitions committee of African and Latin American Art. Since 2012 he has served as Vice President of the Fundación Museo Reina Sofía in Madrid, Spain. This year, Verme became involved with Proyecto Amil – a mobile and non-commercial contemporary art project based in Lima. ‘Proyecto Amil’ is dedicated to fostering less conventional art practices in the local area and bridging the gap between this work and the international community.
Here Juan Carlos speaks to Marc Payot, Partner and Vice President of Hauser & Wirth, about the history and highlights of his collection, and the role of institutions in fostering cultural understanding.
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El otro está en Berlín. Pero la original producción artística de Armando Andrade Tudela siempre tiene un espacio en el circuito de las galerías limeñas. Por estos días se inauguró la exhibición de su muestra “Tres mitades”, en la recién estrenada sala de exposición Amil, en San Isidro. Aquella noche, más de doscientas personas llegaron desde las siete de la noche a ver la exposición con la que en el 2013 el artista peruano participó en la Bienal de Sao Paulo. Parece que muchos perdieron el sentido del tiempo. Estaban tan entusiasmados que recién se retiraron después de las once de la noche.
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En un sótano del C.C Camino Real, Juan Carlos Verme y Joel Yoss despliegan el proyecto Amil con muestra de Armando Andrade.
Es un sótano que nunca albergó nada. Nunca fue alquilado como local. Ni siquiera a inicios de los años ochenta, cuando el Centro Comercial Camino Real era el ‘shopping’ más exclusivo, antes que el terrorismo y la hiperinflación lo condenaran a una eterna agonía. En ese rincón olvidado por años se fue acumulando el polvo, mientras crecía en las paredes una maraña de hongos casi amazónica.
Sin embargo, el coleccionista de arte y empresario Juan Carlos Verme siempre tuvo claro el potencial de ese espacio. Habló con sus dueños, reunidos en Inversiones Centenario y le permitieron invertir en ese agujero negro. El resultado está a la vista: un espacio limpio, amplio, de asepsia clínica. Un lienzo en blanco donde trazar los planes del proyecto Amil, una plataforma artística que Verme define como algo mucho más ambicioso que una sala de exposición: “Queremos que este proyecto se dedique también al estudio y a las publicaciones, a la organización de mesas redondas y debates. Que invite a artistas internacionales para hacer residencias en Lima, además de comisionar piezas específicas a artistas locales o extranjeros. El proyecto quiere ser una plataforma multipropósito y deliberadamente desenfocada, que se aventure a probar distintas formas”, afirma.
Así, la sala muestra la curiosa tensión provocada por lo que se presenta como un proyecto para el arte no comercial, fuera del circuito ‘mainstream’ novedoso y lleno de bríos, en lo profundo de un centro comercial que representó el fracaso económico de nuestros años ochenta. “Este proyecto busca dar a los artistas y al público un espacio alternativo al discurso institucional de los museos o el de las galerías comerciales”, afirma Verme.
Hay hechos incuestionables: en los últimos años un puñado de artistas peruanos ha logrado ocupar un espacio en las ferias de arte y exposiciones más importantes del mundo. Sus obras ya empiezan a formar parte de las colecciones como las del Guggenheim Museum y el Tate Modern.
El mercado local empieza a fortalecerse, y este año el país estrena pabellón propio en la Bienal de Venecia. Sin embargo, el contenido artístico no logra escapar de la centralización, un sistema educativo deficiente, la ausencia de literatura sobre arte contemporáneo local, la falta de institucionalización y de leyes de mecenazgo y, sobre todo, de una inexistente política cultural.
Muchos especialistas, todavía son escépticos ante el proclamado boom del arte peruano. Es que el perú, aún hoy, parece vivir de contradicciones. Y su escenario cultural no es la excepción.
«Todo lo que no se dio de manera paulatina y razonable durante los últimos treinta años en el Perú, ahora parece estar ocurriendo dentro de una olla de presión. Y eso ha generado un sistema muy complejo y amorfo», dice el curador y crítico de arte Jorge Villacorta.
Estas circunstancias se reavivaron durante las últimas semanas, de la mano del borrado de sesenta murales del Centro Histórico de Lima ordenado por el alcalde Luis Castañeda, y el controversial auspicio-ahora desestimado- de esa misma administración a la feria Art Lima. Sin embargo, los problemas del escenario local arrastran deficiencias de fondo desde hace varias décadas. «Partimos con un déficit muy importante, que es la ausencia de una mirada histórica y la falta de conciencia de la riqueza cultural que tenemos para generar un marco de mecanismos que permitan desarrollar la escena», dice Armando Andrade, presidente del Comité de Subasta del Museo de Arte de Lima.
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Proyecto AMIL, un nuevo espacio de arte contemporáneo en Lima fundado por Joel Yoss y Juan Carlos Verme, actual presidente del Museo de Arte de Lima (MALI), presenta una serie de dibujos tempranos de Sergio Zevallos producidos como parte del Grupo Chaclacayo (1982-1994). Todos los dibujos permanecieron en Berlín desde 1989 y se trajeron especialmente para esta exposición, titulada Sergio Zevallos. La Muerte Obscena, curada por Miguel López.
Los dibujos de Zevallos aquí expuestos toman como referentes diversos materiales impresos de la Lima de los años 80: estampitas religiosas, fotografías de prensa, revistas pornográficas y cómics. La exposición está acompañada de un libro que compila por primera vez toda la obra gráfica en color y de mediano formato de Zevallos producida en los años 80. Este nuevo libro es un intento de ofrecer un panorama cada vez más completo del arte crítico de los años 80, y se complementa con otro publicado por López el año pasado a través del MALI, titulado Un cuerpo ambulante. Sergio Zevallos en el Grupo Chaclacayo (1982-1994).
Sergio Zevallos. La Muerte Obscena
Por Miguel López
Sergio Zevallos. La Muerte Obscena presenta dos series tempranas de dibujos de Zevallos, realizadas como parte de la experiencia del Grupo Chaclacayo (1982-1994), uno de los experimentos colectivos más arriesgados surgidos en el Perú en los años 80.
La obra del Grupo Chaclacayo –el alemán Helmut Psotta (Bottrop, 1937 – † Wesel, 2012), y los peruanos Raúl Avellaneda (Lima, 1960) y Sergio Zevallos (Lima, 1962)– ha sido escasamente vista y los relatos sobre el colectivo han circulado como un mito debido a la escasez de bibliografía sobre su trabajo y al auto-exilio de sus integrantes, quienes dejaron el Perú para vivir en Alemania en 1989. Desde entonces las historias del grupo fueron conocidas a través de rumores asociados a las polémicas que su obra despertó, e incluso ciertas posiciones y comentarios en la prensa intentaron desestimar y perseguir la manera en que el grupo abordó la violencia desde una abyección perturbadora en una sociedad machista, misógina y homofóbica.
Las dos series de dibujos aquí exhibidas toman como referente diversos materiales impresos que circulaban en Lima en los años 80: estampitas religiosas, fotografías de prensa, revistas pornográficas, historietas y cómics. Rosas (1982) y Que tu carne es el cielo recién nacido (1983) son fantasías de placer y dolor en donde se fusionan la obscenidad y la brutalidad, el martirio religioso y cultos militares, personajes andróginos y escenas de desangramiento. Ambas series presentan un sinfín de cuerpos entrelazados, convirtiendo el éxtasis místico y la insumisión sexual en huellas críticas desde donde leer la violencia social y la historia colonial, reflejando indirectamente las primeras imágenes del horror asociadas al surgimiento del conflicto armado interno entre la organización maoísta Sendero Luminoso y el Estado Peruano. Estos dibujos son así uno de los testimonios visuales más sobrecogedores de aquella década.
Sergio Zevallos. La Muerte Obscena presenta en Lima, luego de más de 30 años, dos series exhibidas inicialmente en el Museo de Arte de Lima en 1984, las cuales habían permanecido en Berlín desde 1989 hasta hoy. La exposición está acompañada de un libro que, además de las obras exhibidas, incluye dos series de dibujos adicionales: Altares (1985) ySangre y Ceniza. Variaciones en torno a la bandera (1987), ofreciendo así, por primera vez, un panorama completo de la compleja y penetrante producción gráfica de Zevallos durante los años 80, hasta hoy escasamente conocida.
Sergio Zevallos. La Muerte Obscena
Curada por Miguel López.
Proyecto AMIL, Lima
Hasta el 20 de junio de 2015